Наши Услуги

Наши друзья

Разное

Форма входа

    Логин:
    Пароль:
Главная » Статьи » Методическая страница

Развитие искусства игры на аккордеоне


Развитие искусства игры на аккордеоне

     В камерно-академическом искусстве приоритет на протяжении второй половины ХХ столетия все в большей степени принадлежал кнопочному инструменту – баяну, то в эстраде  и джазе многих стран вплоть до наших дней явно превалировал клавишный инструмент – аккордеон. Он получил повсеместное распространение на дансингах, в варьете, кабаре, мюзик-холлах, в ресторанах кафешантанах, на пикниках – словом,  в самых различных проявлениях досуга людей не только в Западной Европе, но и странах Америки. Все чаще аккордеон стал звучать  и на профессиональной концертной эстраде. С 40 - 50-х годов ХХ века он получил широчайшее применение в музыкальном быту, эстрадном и джазовом искусстве Японии, Австралии, а затем и ряде государств Азии и Африки.

Развитие искусства игры на аккордеоне в США
     Еще в первые десятилетия ХХ столетия аккордеон стал широко бытовать в США. Поначалу его распространителями в стране явились эмигранты из Италии. Они массами переселялись сюда в стремлении избавиться от нужды еще со времен  знаменитой «золотой лихорадки» середины ХIХ столетия, и  к его концу процесс этот все еще активно продолжался. Естественно, привозили с собой итальянцы и свои инструменты. Поначалу это были диатонические гармони. Собственно, эстрадная музыка зазвучала на них лишь тогда, когда в конце ХIX столетия в Италии был создан хроматический звукоряд на правой клавиатуре в полный набор басо-аккордового аккомпанемента. Аккордеон в США получил особую популярность. Уже в начале века он был насмешливо прозван американцами «пианино на бретельках», поскольку позволял пианистам использовать фортепианную клавиатуру в любой нестационарной ситуации.
Аккордеон предоставил им возможность предельно легко осваивать простейший метрический четкий и размеренный аккомпанемент, связанный с разнооктавным чередованием басов – аккордов. А такой аккомпанемент крайне необходим для тонизации мускульных ощущений окружающих в любом танцевальном движении и столь трудно достижим на фортепиано, когда должен воспроизводиться вместе с мелодией.

Пьетро и Гуидо Дейро
     Первым, кто познакомил американцев с аккордеоном и стал автором популярнейших произведений для него, был Пьетро Дейро,1888-1954).Его детство прошло в Сицилии, небольшом городке Сальто, где он с ранних лет играл на простейшей диатонической гармони. Приобретя в итальянском городе Страделла аккордеон, он осваивает на нем популярные мелодии из оперных арий. Музыкальное образование П. Дейро получил в одной из музыкальных студий Германии. В 1907 году переезжает в США, в Сан-Франциско и с 1909 года становится солистом варьете, где за двадцатилетний период получает феноменальную известность. В 1928 году оставляет работу и организует в Нью-Йорке штаб аккордеонного искусства, ставящий целью его пропаганду в стране. В эти годы много занимается преподавательской работой, сольной концертной деятельностью, активно записывается на грампластинки.
     Все это сделало имя Пьетро Дейро чрезвычайно популярным  в США, так и во многих других странах. 9 марта 1938 года была основана Американская ассоциация аккордеонистов, и он был избран её президентом (участниками ассоциации стали известнейшие аккордеонисты США – в частности, Пьетро Фросини, Энтони Галла-Рини, Чарльз Маньянте, о которых речь пойдет далее). Любовно прозванный коллегами «отцом аккордеона», музыкант сделал очень многое для его популяризации.
     Перу Пьетро Дейро принадлежит большое количество сочинений, в частности, два концерта для аккордеона с оркестром, им записаны на грампластинки аккордеонные транскрипции многих оперных увертюр, обработки популярных песенных и танцевальных мелодий, изданы репертуарные и методические сборники, созданы школы игры на инструменте, среди которых особой известностью  в Америке и других странах на протяжении ряда десятилетий пользовалась «Школа беглости». Аккордеонист сделал также более тысячи переложений и транскрипций, преимущественно это пьесы «легких» жанров. Они нередко исполняются аккордеонистами в концертах – равно как и собственные его миниатюры, такие как увертюра «Спокойствие», вальсы, польки, марши и т. д.
     Не менее популярными среди аккордеонистов стали аранжировки и сочинения брата  музыканта Гуидо Дейро (1886 – 1950) . Первоначальное образование по аккордеону он также получил в сицилийском городке Сальто. Увлекшись инструментом, Г.Дейро много выступает перед непритязательной аудиторией Италии и Германии.
     Накопив необходимые средства, как и младший брат, он уезжает в США, поначалу поселяется в городе Сиэтл, неподалеку от Канады, а вскоре, перебравшись  в Сан-Франциско, заключает контракт на работу в одном из варьете.
     Гуидо Дейро стал первым аккордеонистом, который значительную часть программ в этих представлениях легких жанров играл с сольными концертами «номерами». Им записано также множество произведений на грампластинки, в теле- и радиофонды. Его транскрипции  популярных произведений музыкальной классики, песен и танцев пользовались фантастическим успехом.
     Музыкант создал множество музыкальных миниатюр, которые широко включались и включаются в эстрадные концертные программы аккордеонистов – польку «Я не тревожусь», вальс «Моя Флоренция», «Темпераментный рег», марш «Западные звезды», вальсы-капризы и т. п. Они отличаются прекрасным ощущением аккордеонной фактуры, затейливой орнаментальной тканью, общим темпераментным тонусом.

Пьетро Фросини
      Подобно Пьетро и Гуидо Дейро, творчество другого итальянца, также считающегося одним из основателей аккордеонной школы в США, - Пьетро Фросини (1885 – 1951) стало крупнейшим вкладом в развитие эстрадного аккордеона. Фросини – это артистический псевдоним. Он был взят исполнителем в начале самостоятельной творческой деятельности, а его настоящие имя и фамилии – Пьетро Джуфрида.
     Обучение на диатоническом инструменте, гармони, он начал с шестилетнего возраста в Италии, в родном сицилийском городке Катания, под руководством отца, Микаэла Анджело Джуфриды, большого любителя музыки и поклонника гармоники. Спустя три года отец покупает ему кнопочный хроматический инструмент – баян, приобретенный у его изготовителя, известного в Катании мастера по производству гармоник Розарио Порто, чей сын Сальваторе был блестящим баянистом. Он поразил и вдохновил Фросини исполнением ряда серьезных и развернутых произведений, таких как Увертюра из оперы «Норма» В. Беллини, которые гораздо органичнее звучали на кнопочном инструменте, нежели на клавишном.
     Под руководством отца мальчик осваивает новый инструмент с необычными художественными возможностями и годом позднее поступает в музыкальный колледж (именовавший консерваторией) в Катании. Поскольку аккордеон и тем более, баян в нем не признавали, обучение осуществлялось по органу и корнету. Несколькими годами позднее Фросини работает церковным органистом в этом городе, а во время службы в Британском военно-морском  оркестре на Мальте становится в нем первым корнетистом.
      Когда юноше исполняется 20 лет, он приезжает в США, где становится исполнителем-солистом в водевильном театре в Сан-Франциско. Познакомившись вскоре  с Гуидо Дейро, под его влиянием стал исполнять в концертах собственные аранжировки и не только классических произведений, но и популярных песен и танцев. Под тем же воздействием был изменен баянный тип правой клавиатуры на аккордеонный – как более привычный для зрелищного  восприятия американцев, более наглядный и понятный им. Однако это было лишь внешнее изменение: Пьетро Фросини оставался преданным трехрядной правой клавиатуре. Как отмечается в одной из статей о музыканте, фортепианная клавиатура его инструмента была «с поддельными черными клавишами и тремя рядами белых клавиш на мелодической клавиатуре». Черные клавиши, создававшие иллюзию правой клавиатуры фортепианного типа, на инструменте Пьетро Фросини были декоративными!
     Несколько позднее, переехав в Нью-Йорк, он стал «ведущим номером» водевильных программ, являвшихся в то время самой популярной формой театрально-концертных представлений. Артисту принадлежит честь  первому в баянно-аккордеонном исполнительстве быть запечатленным в 1907 году на валиковую запись у изобретателя звукозаписывающих устройств Томаса Эдисона. Первой же записью на грампластинку явился «Нежный вальс» - она была осуществлена в 1908 году компанией «Victor», впоследствии всемирно знаменитой. П. Фросини объездил с гастролями практически все штаты Америки, концертировал во многих европейских странах, а с 1932 года становится солистом одной  из крупнейших радиостанций Нью-Йорка и приобретает популярность у многомиллионной аудитории. Особое внимание он уделял созданию собственных аранжировок и композиций, преподавательской деятельности.
     Произведения П. Фросини в наши дни широко звучат в эстрадных программах аккордеонистов и баянистов многих стран. Особую популярность получили такие пьесы, как «Головокружительный аккордеон», «Горячие пальцы», «Шведско-итальянская мазурка», «Кокетлива полька» , «Рег в ре миноре», фантазия на тему Н. Паганини «Карнавал в Венеции», «Итальянская фантазия», аккордеонный дуэт «Клубок спагетти», Увертюра G-dur, ряд рапсодий – a-moll, c-moll, d-moll, а также многие другие сочинения.
     Яркая и вместе с тем грациозная музыка Фросини во многом раскрывает новые возможности баяна и аккордеона. Композитор впервые широко использует приемы мехо-репетиционной техники, и прежде всего четко ритмованное  меховое тремолирование, как например, в заключительных тактах пьесы «Веселый кабальеро». Особую живость и изящество придают его миниатюрам прихотливость ритмического рисунка, острые синкопы, колоритная орнаментика, подтверждением чему могут служить начальные такты пьесы «Марипозита».

Арт Ван Дамм
     Одной     из самых ярких звезд эстрадного исполнительского искусства – аккордеонистов, более полувека блистающих на концертной сцене, стал Арт Ван Дамм (р. 1920). В возрасте 9 лет начал играть на аккордеоне. Спустя пять лет он переезжает в Чикаго, где посещает среднюю школу Амудсена. Там он осваивает аккордеон, начиная с классического репертуара, в то время как музыкальный рынок был заполонен заново переигранными композициями известных классических авторов. В 1938 году освоив гармонию, контрапункт, музыкальную теорию и образовав свою первую группу, Арт принялся за работу над «языком джаза». Сфокусировавшись на джаз и поп музыке, группа играла в ночных клубах, используя бас и гитару. Их кумирами были: Бадди Рич (Buddy Rich), Рэй Браун (Ray Brown) и Бенни Гудмэн (Benny Goodman). В 1942 году это трио присоединилось к оркестру Бена Берни (Ben Bernie), но вскоре Арт Ван Дамм решил покинуть группу и начать собственную музыкальную карьеру в театрах Чикаго. В 1944 году он основал новое трио, позже добавив к нему барабан, группа превратилась в квартет. Годом позже на базе квартета возник квинтет в полном составе, т.е. аккордеон, вибрафон, бас, барабаны и гитара. До 1952 года квинтет Ван Дамма постоянно появляется на чикагском радио и телевидении, представая в качестве гостей широко известных в 50-е годы хозяев ток-шоу. Так же квинтет аккомпанировал таким известным певцам как Элла Фицджеральд (Ella Fitzgerald) и Пегги Ли (Peggy Lee) и играл с Диззи Гиллеспи (Dizzy Gillespie), Бадди де Франко (Buddy DeFranco) и др. Десять лет подряд на ежегодном голосовании «Downbeat» и пять лет подряд на ежегодном голосовании «Keyboard» Арт Ван Дамм был признан самым лучшим джазовым аккордеонистом. Арт Ван Дамм совершил около 40 гастрольных туров по Европе и Австралии, выступая на самых престижных площадках, и это не считая постоянных выступлений в Америке. Заявив всему миру, что отыграл достаточно для целой жизни, Арт Ван Дамм не смог оставить любимое занятие. Перешагнув восьмидесятилетний возраст, он все еще дает концерты, по-прежнему являясь мастером своего дела.
     Для пьес и импровизаций Арта Ван Дамма характерна разнообразная орнаментика мелодической линии – постоянно синкопируемой, расцвечиваемой самыми различными фигурациями, а также колоритная септаккордика. Своеобразны и постоянные свинговые ритмические обороты его музыки, как например, при изложении темы в пьесе «Ирландская прачка».

Эстрадная музыка Германии. Рудольф Вюртнер

     Как уже отмечалось, Германия стала родоначальницей академического баянно-аккордеонного репертуара. Вместе с тем, уже с 20-х годов ХХ столетия в стране получило распространение и немало эстрадных концертных миниатюр, в  которых изучаемые нами инструменты, и прежде всего аккордеон, предстали как широко распространенные, привлекающие самую разнообразную слушательскую аудиторию. Начали появляться концертные фантазии, попурри, но еще более – непритязательные эстрадные миниатюры танцевальных жанров, звучащие в программах видных аккордеонистов и баянистов как соло, так и в сопровождении эстрадных ансамблей и оркестров.
     Среди композиторов, прославившихся созданием и исполнением различных концертных фантазий эстрадного плана, прежде всего следует назвать Рудольфа Вюртнера (1920-1974). Окончил Штутгартскую Высшую школу музыки, где занимался у родоначальника профессиональной баянно-аккордеонной музыки Хуго Германа. С середины 30-х годов молодой музыкант начинает активную концертную деятельность, а с 1939 года становится преподавателем класса баяна – аккордеона  в той же Городской музыкальной школе Троссингена. С 1940-х годов он получает популярность не только как солист-баянист, дирижер, руководитель известного оркестра, педагог, но и как автор многих известных эстрадно-виртуозных произведений для баяна и аккордеона. В них обнаруживается стремление максимально объемно выявить художественные средства инструментов - в различных видах мелодического орнамента, разнообразной аккордовой фактуры, виртуозного движения четырехоктавных басов левого полукорпуса. Многосторонне раскрываются возможности баяна и аккордеона также в тех или иных видах репетиционного движения, в затейливости всего ритмического рисунка музыки. В 1948 г. на возобновлённом после Второй мировой войны Кубке мира среди аккордеонистов занял второе место после Иветт Орнер. С этого же времени все активнее занимается композицией, наряду с большим количеством аранжировок создает ряд виртуозных сочинений для баяна. Замечу, что Р. Вюртнер с детских лет играл на баяне в перевернутом виде - левой рукой на правой клавиатуре, а правой рукой - на левой.      
     Большая часть жизни и творчества Вюртнера связана с оркестром аккордеонов Hohner («Оркестр фирмы Хонер») из Троссингена, в составе которого он дебютировал как исполнитель ещё мальчиком, в 1931 г., с 1947 г. выступал как дирижёр, а с 1968 г. был его художественным руководителем. Вюртнеру принадлежит ряд транскрипций и обработок для оркестра аккордеонов — в частности, Фантазия на темы оперы Бизе «Кармен»,  переложение «Картинок с выставки» Мусоргского, Фантазия на тему концертного этюда «Кампанелла» Н. Паганини и Фантазия на тему песни «Очи черные».
     Ярко представлены в произведении и арпеджированные фигурации – в каденционной шестой вариации, и техника пальцевых репетиций, где как бы имитируется тремолирование на струнных щипковых инструментах – в седьмой вариации, и блестящие стремительные пассажи заключительной, восьмой вариации.

Творчество Астора Пьяццоллы
     Астор Пьяццолла (1921—1992) — выдающийся аргентинский музыкант и композитор второй половины двадцатого столетия, чьи сочинения в корне перевернули традиционное танго, представив его в современном ключе, вобравшем элементы джаза и классической музыки. Родоначальник стиля, получившего название нуэво танго (nuevo tango). Пьяцолла также известен как непревзойдённый мастер игры на бандонеоне; свои произведения он часто исполнял с различными музыкальными коллективами.
Астор Пьяццолла родился 11 марта 1921 г. в аргентинском городе Мар-дель-Плата, в семье эмигрантов из Италии.
     Детство провёл с родителями в Нью-Йорке, где влюбился в джаз. Там же в 1930 г. начал учиться игре на аккордеоне. Затем берёт у Сергея Рахманинова уроки игры на фортепиано с целью аранжировки произведений, написанных для фортепьяно к аккордеону. Познакомился с Карлосом Гарделем, который пригласил юношу попробовать себя в кино, Астор снялся в эпизодической роли в фильме «День, когда ты меня полюбишь» (1935). В 1937 он вернулся в Аргентину, играл в ночных клубах с разными музыкантами, в том числе — с Анибалом Тройло. Пьяццолла продолжает брать уроки у Альберто Хинастеры, и в 1946 г. создает свой первый собственный оркестр «Астор Пьяццолла и его характерный оркестр». Но его цели этим не ограничиваются. Мечта Пьяццоллы заключается в превращении аккордеона из оркестрового инструмента, используемого в качестве музыкального сопровождения танцев, в инструмент для исполнения классической музыки. Пьяццолла начинает писать классическую музыку для аккордеона. В 1950 г. в США его произведение «Портовая рапсодия» было награждено специальной премией.
     В 1953 г. его симфония «Буэнос-Айрес» удостоена премии Фабиана Севитски, а в 1954 г. «Синфониета» номинируется на премию Ассоциации музыкальных критиков Буэнос-Айреса. В 1952 г. Пьяцолла удостоен премии композиторов Франции, и французское правительство предоставляет ему стипендию для обучения в Париже у Нади Буланже. Надя вдохновляет Пьяццоллу на поиски и создание своего собственного музыкального стиля. По окончании французского периода Пьяццолла создает два ансамбля: Октет Буэнос-Айреса и Струнный оркестр. Творчество ансамблей совершает настоящую революцию в мире городской музыки, но против неё поднимается волна безжалостной критики. Пьяццолла не отчаялся, а продолжил свою линию. Музыкальные фирмы его бойкотируют, и Пьяццолла вынужден уехать в Нью-Йорк, где работает в качестве аранжировщика. Два года спустя Пьяццолла возвращается в Буэнос-Айрес и создаёт квинтет. С каждым днём музыкант приходит к убеждению, что танго является музыкой, предназначенной для прослушивания, а не для танцев. Пьяццолла даёт концерты, записывает пластинки и несколько раз совершает турне по Аргентине, Бразилии и США. В 1963 г. Пьяццолла завоевал музыкальную премию Hirsch и написал произведение «Три симфонических движения», которое в том же году было исполнено оркестром под руководством Поля Клецки. В 1965 г. Пьяцолла сотрудничает с Хорхе Луисом Борхесом, сочиняя музыку к его поэмам. Диск «Танго» выходит в том же году. В 1967 г. в сотрудничестве с Орасио Феррером Пьяццолла пишет опериту «Мария из Буэнос-Айреса». Затем по просьбе маэстро Кальдерона, руководителя Музыкального Ансамбля Буэнос-Айреса, сочиняет пьесу «Тангасо», которая была исполнена оркестром во время турне по США. Пьяццолла пишет «Танго Шесть» для Мелос Ансамбля и «Милонга ет Рэ» для скрипача Сальваторе Аккардо. В результате сотрудничества с Феррером Пьяццолла приобретает новый опыт: танго-песня. В 1969 г. произведение «Баллада для безумца» завоёвывает всемирное признание. Этот, более коммерческий, жанр делает Пьяццоллу известным широкой публике. Его публика, до этого дня состоявшая в основном из узкого круга посвящённых, становится всё более многочисленной, и Пьяццолла получает признание как подлинный выразитель музыки Буэнос-Айреса. В 1970 г. Пьяццолла уезжает в Париж и совместно с Феррером создает ораторию «Молодой народ», премьера которой состоялась в Сарбруке. В 1971 г. Пьяццолла создает группу «Ансамбль Девяти». Муниципальный совет Буэнос-Айреса подписывает с группой контракт на 2 года для проведения концертов в Аргентине и за рубежом. Пьяццолла имеет большой успех в странах Латинской Америки. В 1972 г. состоялся концерт в Италии в Итало-Американском институте, где прошла премьера «Ансамбля Девяти». Пьяццолла записывает ряд программ для телевидения Италии. 17 августа 1972 г. Пьяццолла начинает работать в Театре Колон. Репетиции мешают музыканту принять предложение Бернардо Бертолуччи о написании музыки к кинофильму «Последнее танго в Париже». Пьяццолла пишет музыку к кинофильмам «Джин и Поль» и «Предпоследний». В августе 1972 г. в Буэнос-Айресе состоялся «Перламутровый концерт». В 1974 г. по просьбе величайший фигуры в мире джазовой музыки Гарри Мулигана Пьяццолла начинает работать в его оркестре, так рождается «Саммит»: Муллиган аккомпанирует Пьяццолле. В 1986 г. вместе с Гарри Бартоном Пьяццолла записывает «Сюиту для вибрафона и новый квинтет танго».
     В последние годы Пьяццолла предпочитал участвовать в концертах в качестве солиста в сопровождении симфонических оркестров, иногда он давал концерты со своим квинтетом. Пьяцолла выступал в США, Японии, Италии, Германии, Франции, Латинской Америке и т. д., расширяя, таким образом, рамки публики на каждом континенте во имя славы музыки Буэнос-Айреса. Пьяццолла совместно с Lalo Schiffrin и St Lukes Orchestra записал «Концерт для аккордеона», "Три танго для аккордеона с оркестром и «Сюиту Пунта дель Эсте». С Kronos квартетом музыкант записал сюиту « Five Tangos Sensations», которая стала его последним произведением и в течение нескольких лет занимала ведущие позиции в рейтинге произведений классической музыки. В 1990 г. маэстро Ростропович исполнил в Новом Орлеане музыку для виолончели и фортепиано «Большое танго». Это же произведение было исполнено Ростроповичем на сцене Театра Колон на концерте памяти Пьяццоллы в 1994 г. Астор Пьяццолла — один из немногих композиторов, который смог записать и исполнить на концертах почти все свои произведения. В последние 10 лет своей жизни композитор сочинил более 300 танго, 50 мелодий к кинофильмам, среди которых такие фильмы, как «Генрих IV», Бертолуччи, «Люмиер», «Армагедон», «Юг» и «Ссылка Гарделя», а также музыку к театральным спектаклям и балетам. В Италии жюри премии критиков единогласно удостоило Пьяццоллу Первой Премии за Лучший диск инструментальной музыки, отметив в своём решении: «За смелость композиций и за поразительное творчество в создании аранжировок, придающих танго новое звучание». В феврале 1993 г. в Лос Анжелесе Астор Пьяццолла был номинирован на премию Грэмми 1992 за произведение Oblivion в категории «Лучшая инструментальная композиция». Международная критика охарактеризовала Oblivion как одно из лучших произведений Пьяццоллы.
     Астор Пьяццолла умер в Буэнос-Айресе 4 июля 1992 г. в результате тромбоза мозговых сосудов, наступившего 4 августа 1990 г.
     Композитор  оставил большое творческое наследие – более тысячи произведений. По словам Ф. Липса, «так же как и И. Штраус поднял вальс, польку из танцевального зала до уровня концертной сцены, а Ф. Шопен – вальсы, мазурки и полонезы, Пьяццолла придал танго форму концертного произведения, фантазии, импровизации, привнеся одновременно в свои сочинения латиноамериканские ритмы румбы, самбы».
Хлопотова Н. А.



Категория: Методическая страница | Добавил: Администратор (22.12.2012)
Просмотров: 4790